Pintura 9 · Hélio Oiticica · 1959
Oil on canvas · 45 5/8 × 35″ (115.9 × 88.9 cm)
The Museum of Modern Art · Promised gift of Patricia Phelps de Cisneros through the Latin American and Caribbean Fund in honor of Adriana Cisneros de Griffin · © 2022 Projeto Hélio Oiticica.
EDWARD J. SULLIVAN
A Triumphant Exhibition at NYU’S Grey Art Gallery
From September 12 to December 8, 2007 the exhibition entitled The Geometry of Hope: Latin American Abstract Art from the Patricia Phelps de Cisneros Collection was on view at the Grey Art Gallery. It was without doubt one of the most successful exhibitions of the decade, attracting large members of the public, from students, scholars, collectors and all manner of interested people. The exhibition was one of several major shows at the Grey of Latin American art, including monographic shows of the Mexican artist Nahum Zenil and the Venezuelan op and kinetic artist Jesús Rafael Soto. On Friday, September 14, shortly after its opening, Geometry received a rave review from the New York Times art critic Roberta Smith who stressed its highly innovative character.
The show’s title derived from the phrase coined by British art historian Herbert Reed in the late 40s, “the geometry of fear,” describing the tenuous political and aesthetic situation of post-World War II Europe. The Grey exhibition’s title connotes a time of optimism and modernity in Latin America from the 1930s to the 1960s. In artistic terms this was reflected in the modernist architecture in cities like Caracas, São Paulo or Montevideo, and in painting, sculpture and photography by a wholesale investment on the part of artists in geometrically-based abstract imagery.
Now that the twenty-first century has reached its third decade, the names of many of the artists represented in The Geometry of Hope are very familiar to anyone interested in modern art. But this was not the case in the early years of the millennium. The talents of Lygia Pape (Brazil), Carlos Cruz-Diez (Venezuela) or Tomás Maldonado (Argentina) and many others were appreciated by specialists but almost unknown to others. It is not an exaggeration to say that the success of The Geometry of Hope, especially in its New York showing at the Grey, caused a veritable reassessment of the importance of geometric abstract art all over the world. Soon after The Geometry of Hope, more exhibitions were organized, more works by mid-century artists began appearing in auctions and art fairs, and scholarship experienced a marked turn toward geometric expression not only in the case of Latin America but in farther flung places in Eastern Europe and Asia. The cliched notion of “Latin American art” as colorful, picturesque or (as in the case of Frida Kahlo, the inevitable magnet for interest in dramatic or even grotesque imagery) theatrical, was systematically challenged. This reassessment was due, in part, to the impact of the exhibition.
The history of The Geometry of Hope show inevitably leads us to the intelligent and enthusiastic acquisitiveness of Patricia Phelps de Cisneros, a Venezuelan collector who became interested in geometric art as a young person in her native Caracas where, as she put it to me in one of our numerous conversations over many years, “modern art was everywhere.” By this she was referring to the architecture of the city, and the painting and sculpture in the museums and private collections she frequented. The collection that Mrs. Cisneros built with her husband Gustavo (famed for his success in many forms of business in Latin America and beyond) comprised the most comprehensive gathering of Latin American geometric abstraction in the world. (Much of this collection has been donated in recent years to New York’s Museum of Modern Art).
Patricia Cisneros has been a consistent supporter of academic institutions. She considers colleges and universities to be the training grounds of future scholars and curators in the fields of her interest. The University of Texas at Austin, with its remarkable Blanton Museum, was a target of her largesse when, in 1999, a loan and research program was established between the Colección Patricia Phelps de Cisneros and the museum. The show was curated by Gabriel Pérez Barreiro and featured in its extensive catalogue many insightful essays by members of the Cisneros Research Seminar, principally UT graduate students in Latin American art history.
I first heard about the exhibition shortly after the project was conceived for the Blanton. As a long-time professor of Latin American art history at NYU, enthusiastic collaborator on many Grey Gallery projects and fortunate colleague of the Gallery’s visionary Director Lynn Gumpert, I immediately thought that it would be ideal for NYU’s outstanding art museum on Washington Square. I contacted the curator, also a long-time friend and colleague (as is Mrs. Cisneros herself) and put him together with Gumpert and the result was an extremely felicitous collaboration that bore fruit in both expected and unexpected ways.
On October 5, 2007 there was an all-day symposium of Latin American abstract held in Hemmerdinger Hall in NYU’s Silver Center. A very large group of scholars debated myriad issues related to the theme of the show during an all-day session. This served to stimulate many attendees and participants to further their scholarship within the field, and the results were seen in subsequent dissertations, journal articles and books. In addition, the distinguished Argentine poet and academic Lila Zemborain, Professor in the Creative Writing in Spanish program of the NYU Department of Spanish and Portuguese, spearheaded an initiative to bring highly distinguished critics, artists and poets to read from their work.
I visited the exhibition on numerous occasions. Every time I went I observed a group of students, from NYU and other institutions, discussing the work on view. Perhaps the most fascinating experience I had was hearing a discussion in front of a Jesús Soto “Op” painting as part of an undergraduate psychology class taught by Dr. Marisa Carrasco. The students were mesmerized and offered analyses of the work that went far beyond those of any art historian. To me, this documented, more than any other experience, the immensely broad appeal and success of this splendid exhibition.
Traducido por MARÍA ALEJANDRA ARGEL
Una muestra triunfal en la Grey Art Gallery de NYU
Desde el 12 de septiembre hasta el 8 de diciembre de 2007 se presentó en la Grey Art Gallery la muestra La geometría de la esperanza: abstracción geométrica latinoamericana en la Colección Patricia Phelps de Cisneros. Sin duda, fue una de las muestras más exitosas de la década, atrayendo un gran público, formado por estudiantes, académicos, coleccionistas y todo tipo de personas interesadas. Fue una de las importantes muestras de arte latinoamericano organizadas por la Grey Art Gallery, entre ellas las exposiciones monográficas del artista mexicano Nahum Zenil y del artista cinético y Op venezolano Jesús Rafael Soto. El viernes 14 de septiembre, poco después de su inauguración, La geometría de la esperanza recibió una extraordinaria reseña en el New York Times de la crítica de arte Roberta Smith, quién enfatizó su carácter altamente innovador.
El título de la exposición nació de la frase acuñada por el historiador de arte británico Herbert Reed a finales de los años 40, “la geometría del miedo”, refiriéndose a la fragilidad política y estética de Europa después de la Segunda Guerra Mundial. La muestra en la Grey connota un tiempo de optimismo y modernidad en América Latina, desde los años 30 hasta los 60. En términos artísticos esto se reflejó en la arquitectura modernista de ciudades como Caracas, Sao Paulo o Montevideo, y en pintura, escultura y fotografía, en un compromiso total de los artistas con un imaginario abstracto basado en la geometría.
Ahora que el siglo veintiuno ha alcanzado su tercera década, los nombres de muchos de los artistas presentados en La geometría de la esperanza son familiares para cualquiera que esté interesado en el arte moderno. Pero este no fue el caso en los primeros años del milenio. El talento de Lygia Pape (Brasil), Carlos Cruz-Diez (Venezuela) o Tomás Maldonado (Argentina), y muchos otros, fue apreciado por los especialistas y casi desconocido por el resto. No es exagerado decir que el éxito de La geometría de la esperanza, especialmente en la muestra de Nueva York, en la Grey, causó una verdadera reevaluación de la importancia del arte geométrico abstracto alrededor del mundo. Después de La geometría de la esperanza, se organizaron más muestras, aparecieron más obras de artistas de mediados de siglo en remates y ferias de arte, y la academia experimentó un giro notable hacia la investigación de la expresión geométrica, no sólo en Latinoamérica, sino también en lugares remotos de Europa del Este y en Asia. La noción cliché del “arte latinoamericano” como colorido, pintoresco, o teatral (como en el caso de Frida Kahlo, con el inevitable foco de interés en el imaginario dramático o inclusive grotesco), fue sistemáticamente cuestionado. Esta reevaluación se debió, en parte, al impacto de la muestra.
La historia de La geometría de la esperanza nos conduce inevitablemente al entusiasmo y a la inteligencia adquisitiva de Patricia Phelps de Cisneros, una coleccionista venezolana que se interesó en el arte geométrico cuando era joven y vivía en Caracas, donde “el arte moderno estaba en todas partes”, como me dijo en una de nuestras innumerables conversaciones a través de los años. Con esto ella se refería a la arquitectura de la ciudad, y a la pintura y escultura de los museos y colecciones privadas que frecuentaba. La colección que la señora Cisneros construyó con su esposo Gustavo (famoso por su éxito en distintos negocios en Latinoamérica y otros lugares) conforma el conjunto más completo de arte geométrico abstracto latinoamericano en el mundo. (Gran parte de esta colección fue donada en años recientes al Museo de Arte Moderno de Nueva York).
Patricia Cisneros ha apoyado consistentemente las instituciones académicas. Considera que las escuelas y universidades son el campo de entrenamiento de futuros académicos y curadores en sus áreas de interés. La universidad de Texas, en Austin, con su notable Museo Blanton, fue un blanco de su generosidad, cuando en 1999, la Colección Patricia Phelps de Cisneros y el museo establecieron un programa de préstamo e investigación. La muestra fue curada por Gabriel Pérez Barreiro y contenía, en su extenso catálogo, ensayos iluminadores escritos por miembros del Seminario de Investigación Cisneros, principalmente estudiantes graduados de la Universidad de Texas en Historia del Arte Latinoamericano.
Me enteré de la muestra apenas se había concebido el proyecto para el Blanton. Como experimentado profesor de Historia del Arte Latinoamericano en NYU, como colaborador entusiasta en muchos proyectos de la Grey Gallery y afortunado colega de la visionaria directora de la galería Lynn Gumpert, inmediatamente pensé que la muestra sería ideal para el notable museo de arte de NYU en Washington Square. Contacté entonces al curador, también un amigo y colega de hace mucho tiempo (como lo es también la señora Cisneros) y arreglé un encuentro con Gumpert: el resultado fue una feliz colaboración que dio frutos tanto esperados como inesperados.
El 5 de octubre de 2007 hubo un simposio de arte abstracto latinoamericano en el Hemmerdinger Hall en el Silver Center de NYU. Un nutrido grupo de académicos debatió durante todo el día un sinnúmero de asuntos relacionados con el tema de la muestra. Esto sirvió para estimular a muchos asistentes y participantes a seguir indagando en ello y los resultados se hicieron evidentes en tesis doctorales, artículos de revistas especializadas y libros. Además, la distinguida poeta y académica argentina Lila Zemborain, profesora del programa de Escritura Creativa en Español, del Departamento de Español y Portugués, de NYU, y curadora de la serie de poesía del King Juan Carlos Center, lideró la iniciativa de invitar a distinguidos poetas latinoamericanos para que escribieran textos especialmente comisionados a partir de obras de la exposición.
Visité la muestra en numerosas ocasiones. Cada vez que iba observaba a un grupo de estudiantes, de NYU y de otras instituciones, mientras hablaban sobre las obras exhibidas. Quizá la experiencia más fascinante que tuve fue escuchar una discusión en el marco de una clase de psicología dictada por la Dra. Marisa Carrasco a estudiantes de pregrado frente a una pintura “Op” de Jesús Soto. Los estudiantes estaban cautivados y ofrecían análisis de la obra que iban mucho más lejos que los de cualquier historiador del arte. Para mí esto demostró, más que cualquier otra experiencia, el amplísimo atractivo y éxito de esta espléndida muestra.
Edward J. Sullivan es profesor de Historia del Arte de las Américas en la época moderna y contemporánea en NYU. Su campo de investigación comprende los países de habla español y portugués tanto en el hemisferio occidental como en la península Ibérica y Asia. Es autor de más de treinta libros y catálogos de exposición. Durante su larga carrera de docente, Sullivan ha servido igualmente como curador independiente. Ha organizado numerosas exposiciones en museos en los EEUU, América Latina y Europa. En la actualidad Sullivan está en proceso de terminar su nuevo libro: Nueva York Latino, Arte y pertenencia: 1970-2001 (Yale University Press).
Edward J. Sullivan is the Helen Gould Shepard Professor in the History of Art at NYU. His field of expertise covers Latin America, the Caribbean and the Spanish and Portuguese-speaking counties of Asia and the Iberian Peninsula in the modern period. He is the author of more than thirty books and exhibition catalogues plus many essays. Sullivan has also been an independent curator for his entire career and his exhibitions have been seen in museums on three continents. He is currently working on a book entitled Latino New York: Art & Belonging 1970-2001 (Yale University Press).